Never Have I Ever : Quand l’art portable révolutionne la beauté et soutient les créatifs
L’histoire de Never Have I Ever, une start-up new-yorkaise de beauté fondée par Susana Chen et Jess Wu, commence par une question simple mais puissante : et si l’art pouvait transcender les toiles traditionnelles pour vivre sur des supports inattendus et personnels ? Loin des simples t-shirts ou casquettes imprimées, leur vision se concrétise aujourd’hui à travers des ongles à presser, des tatouages temporaires et des pierres dentaires, transformant le corps en une galerie d’expression individuelle.
L’expérience et la vision de Susana Chen : de la boutique familiale à la Parsons
La passion de Chen pour l’art accessible trouve ses racines dans son enfance dans le quartier chinois de New York, où elle aidait sa mère dans une boutique de souvenirs, vendant des t-shirts « I Love New York ». Cette expérience précoce du commerce et de l’expression culturelle populaire a évolué vers une formation académique solide : un diplôme de la prestigieuse Parsons School of Design. Sa carrière thereafter, marquée par des passages en agences de création et la fondation de l’Asian Creative Foundation (une organisation à but non lucratif), a affiné son regard. En fréquentant des foires artisanales, elle a identifié une lacune majeure : un manque de produits permettant une véritable personnalisation artistique et une reconnaissance des créateurs.
L’expertise opérationnelle de Jess Wu : construire des systèmes à grande échelle
Si Chen apportait la vision artistique, Wu, son ancienne collègue, a injecté une expertise cruciale en marketing de marque et en développement commercial. Son parcours, axé sur l’aide à des marques interculturelles et des entreprises technologiques pour se mondialiser, a fourni les outils pour structurer une chaîne d’approvisionnement et des systèmes de distribution efficaces. Son rôle a été déterminant pour transformer une idelle artisanale en une entreprise scalable, capable de répondre à une demande croissante tout en maintenant une collaboration étroite avec les artistes.
Un modèle économique qui comble un double vide sur le marché
Le lancement officiel de Never Have I Ever en novembre 2023 est survenu à un moment propice, coïncidant avec un changement de comportement des consommateurs signalé par des médias comme NBC News. Face au ralentissement économique, les Américains réduisaient leurs dépenses en services de beauté non essentiels, comme les manucures en salon. Les ongles à presser de la marque, vendus entre 18 et 45 dollars, proposent une alternative abordable. Mais le génie du modèle réside dans la résolution d’un problème plus subtil et souvent ignoré : la déconnexion entre la désir d’un client pour une œuvre d’art spécifique sur ses ongles, l’incapacité du technicien à la réaliser exactement, et le manque de reconnaissance de l’artiste original. Never Have I Ever comble ce fossé en licenciant directement des designs d’artistes.
Validation terrain et croissance exponentielle
La validation initiale du concept fut concrète et rapide. En présentant leurs premiers prototypes lors de foires artisanales, Chen et Wu ont observé des revenus de 3 000 à 5 000 dollars par week-end uniquement avec les ongles personnalisés. Ce succès immédiat a justifié une ambition plus grande : la recherche de partenariats avec des détaillants majeurs. Aujourd’hui, les produits sont disponibles dans plus de 2 000 points de vente, incluant des enseignes comme Nordstrom, Urban Outfitters, Anthropologie, mais aussi des institutions culturelles prestigieuses telles que le Metropolitan Museum of Art (Met), le MoMA de New York et le Denver Art Museum. Cette stratégie de distribution double canal – retail grand public et musées – renforce leur positionnement à l’intersection de la mode, de l’art et de la culture.
Un écosystème centré sur les artistes et la transparence
Le cœur du modèle repose sur une communauté de plus de 100 artistes licenciés, qui perçoivent généralement 5 % de redevances sur leurs créations. Bien que la production soit basée en Chine, les cofondateurs insistent sur un processus collaboratif : chaque artiste travaille en étroite collaboration avec l’équipe pour que le produit final respecte sa vision originale. « Nous avons construit un système pour minimiser l’écart entre l’art et la production », explique Wu. Cette approche se prolonge sur les réseaux sociaux, où la marque met systématiquement en avant les créateurs derrière chaque design, favorisant une connexion authentique entre l’artiste et le consommateur.
Résultats financiers et l’étape « Shark Tank »
Fin 2025, après seulement sa deuxième année complète d’activité, Never Have I Ever affichait un chiffre d’affaires de 1,5 million de dollars, avec une croissance des ventes de 3,5 fois par rapport à l’année précédente et plus de 120 000 unités vendues. L’équipe, d’une dizaine de personnes réparties entre les États-Unis et la Chine, a accompagné cette croissance fulgurante. Une validation médiatique et financière majeure est survenue avec leur passage dans l’émission Shark Tank. Susana Chen y a décroché un accord avec Kevin O’Leary : un investissement de 150 000 $ pour 10 % de l’entreprise, assorti d’une redevance de fidélité de 50 cents par unité, plafonnée à 450 000 $. Chen a qualifié l’expérience d’« incroyablement vulnérable » mais formatrice, liant son histoire personnelle dans la boutique de sa mère à la mission actuelle de valoriser l’expression créative.
Ambition : devenir la référence du « glamour instantané » artistique
Les objectifs futurs sont clairs : consolider le statut de Never Have I Ever comme la marque incontournable du glamour instantané. Cela passe par l’expansion continue en points de vente et la signature de nouvelles collaborations avec des artistes émergents ou établis. Pour Jess Wu, ce succès en dit